Die 15 berühmtesten Gemälde von Gustav Klimt

Gustav Klimt (14. Juli 1862 - 6. Februar 1918) war ein österreichischer symbolistischer Maler und einer der prominentesten Mitglieder der Wiener Sezessionsbewegung.

Klimt ist berühmt für seine Gemälde, Wandmalereien, Zeichnungen und andere Kunstwerke. Klimts Hauptthema ist der weibliche Körper, und seine Werke sind von offener Pornografie geprägt. Die Themen in seinen Werken sind sehr breit und umfassen Allegorien, Porträts, Landschaften und Architektur.

Obwohl sein kreatives Genie immer umstritten war, wurden seine Werke von späteren Generationen gesucht, was sich in den ständig steigenden Auktionspreisen und einer Reihe immersiver Kunstausstellungen widerspiegelt, sei es die Anzahl der Ausstellungen oder die Anzahl der Besucher. Alle setzen immer wieder neue Höchststände.

Man kann sagen, dass Gustav Klimt eines der symbolischen Elemente Österreichs ist, insbesondere Wiens, wo die ganze Stadt voller individueller Souvenirs von Künstlern ist.

Nach einem gründlichen Studium des künstlerischen Lebens und Werks von Gustav Klimt produzierte das TALMUD-Team eigens eine Reihe von Videos und Werkbetrachtungen.

Wir haben auch mit Souvenirgroßhändlern in einigen europäischen Ländern, einschließlich Österreich, zusammengearbeitet, um eine Reihe von kundenspezifischen Souvenirs für Künstler zu entwickeln. Hoffe auf Ihre Zustimmung.

Video-Gustav Klimt

1, Die drei Stadien einer Frau

Die drei Stufen einer Frau von Gustav Klimt

Die drei Stadien einer Frau

Dies ist ein Werk von Gustav Klimt aus dem Jahr 1905, auch bekannt als „Mutter und Sohn“. Es wird angenommen, dass es die drei Hauptphasen im Leben einer Frau darstellt: Kindheit, Mutterschaft und Alter. Eine weitere Besonderheit dieses Gemäldes ist, dass es sich um das erste großformatige Ölgemälde des Künstlers handelt.

Auf der rechten Seite der Leinwand befindet sich die Mutter des Kindes, die die Schönheit und Liebe der Mutterschaft und die erstaunliche Vitalität der Kindheit darstellt. Die Mutter umarmt ihr Baby in einer warmen, sicheren Umarmung und schenkt ihm bedingungslose Liebe. Unter der starken Mutterliebe war das Gesicht des schlafenden Kindes von einem zufriedenen Ausdruck erfüllt.

Die linke Seite der Leinwand zeigt den letzten Lebensabschnitt einer Frau, Klimt entschied sich dafür, sie als müde alte Frau darzustellen, die ihr allmähliches Verschwinden ankündigt. Sie bedeckte ihr Gesicht mit ihren Händen, was darauf hindeutete, dass sie durch die Wechselfälle des Lebens gegangen war, und der raue braune Hintergrund symbolisierte das Land und zeigte, dass sie kurz vor dem Tod stand.

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In „Die drei Stadien der Frau“ verdichtet Klimt mit symbolischen Techniken die drei Lebensabschnitte einer Frau – Kindheit, Jugend und Alter – in einem Gemälde.

Dies ist eine unumkehrbare Trilogie des Lebens, die aus der Sentimentalität des Malers gegenüber dem Schicksal hervorgeht. Klimt ist gut darin, Charaktere mit Beton und Realismus zu formen und die Umgebung und Kleidung mit Mustern zu dekorieren, um eine harmonische und einheitliche Schönheit verschiedener Veränderungen zu erreichen.

Die Komposition dieses Gemäldes ähnelt einem Kreuz mit einer großen schwarzen Farbe oben, was eine Metapher für den Schrecken des Todes sein könnte, und es drückt die Vorstellung des Künstlers von Leben und Tod aus.

2, Portrait Adele Bloch Bauer I

Porträt von Adele Bloch Bauer I von Gustav Klimt

Porträt von Adele Bloch Bauer I

Das Porträt von Adele Bloch-Bauer I (auch bekannt als „Goldene Dame“ oder „Goldene Frau“) stammt von Gustav Klimt aus dem Jahr 1903. Ein Gemälde, das zwischen 1907 fertiggestellt wurde.

Dies ist das ikonischste Porträt von Klimts goldener Zeit und wurde von Ferdinand Bloch-Bauer, einem jüdischen Bankier und Zuckerfabrikanten, in Auftrag gegeben.

Klimt hat zwei Porträts für Adele geschaffen, dies ist das erste. Das zweite Gemälde wurde 1912 fertiggestellt. Dies sind ebenfalls zwei klassische Werke unter den vielen Werken von Klimt, die sich im Besitz der Familie Adele befinden.

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Laut Nachrichtenberichten wurde das Gemälde im Juni 135 von Ronald Lauder für einen himmelhohen Preis von 2006 Millionen US-Dollar versteigert und in seiner neuen Kunstgalerie in New York City gesammelt.

Damit ist „Portrait of Eddie One“ das teuerste Gemälde der Geschichte. „Portrait of Eddie No. 1“ ist seit Juli 2006 in der Galerie ausgestellt.

3. Der Kuss

Der Kuss von Gustav Klimt

Der Kuss

„Der Kuss“ ist eines der repräsentativen Gemälde des österreichischen Symbolisten Gustav Klimt. Es war ein Werk, das er während des Goldenen Zeitalters schuf, in dem er oft Blattgold zum Malen verwendete.

„Der Kuss“ ist ein quadratisches Gemälde, das ein Liebespaar zeigt, das sich umarmt, ihre Körper in Roben verschlungen. Diese Ausdrucksweise wurde auch durch den Jugendstil und die Arts and Crafts-Bewegungen der gleichen Zeit beeinflusst. Er bedeckte traditionelle Ölgemälde mit Blattgold, um die Gemälde moderner zu machen.

„Der Kuss“ ist ein repräsentatives Werk der Symbolik und das beliebteste Werk von Gustav Klimt. „Der Kuss“ befindet sich derzeit im Kunstmuseum Belvedere in Wien und gilt weithin als Klassiker des frühen 20. Jahrhunderts.

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„Der Kuss“ hat einen wichtigen Platz in der Geschichte der Weltkunst. Es ist auch eines der bekanntesten Elemente in Österreich.
Wenn Sie auf den Straßen von gehen Österreich, große und kleine Souvenirläden haben alle Arten von Souvenirs, mit diesem berühmten Gemälde als Designkonzept.
Sogar in einigen Flagship-Stores für Souvenirs können Sie „The Kiss“ personalisierte Souvenirs sehen, die an einer Wand ausgestellt sind. Diese Art der Einrichtung ist spektakulär!

4, Goldfisch

Goldfisch von Gustav Klimt

Goldfisch

„Goldfisch“, auch bekannt als „An meine Kritiker“.

Klimt platzierte drei nackte Frauen mit unterschiedlichem Aussehen auf dem Bildschirm. Die blonde Frau oben rechts war mit nacktem Oberkörper und einem freudigen Lächeln; oben links Die schwarzhaarige Frau drehte dem Publikum den Rücken zu und zeigte den wohlproportionierten weiblichen Rücken; die rothaarige nackte frau unten links zeigte ihren prallen hintern und blickte mit sexy augen zu den menschen zurück.

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Offensichtlich benutzte Klimt dieses Gemälde, um sich gegen einige Kritiker von außen zu wehren. Obwohl der Künstler es ursprünglich „meinen Kritikern“ nannte, änderte Klimt den Titel später in Goldfisch, als er das Werk auf Anregung seines Freundes 1903 in der Secessionsausstellung ausstellte.

Obwohl sich der Titel geändert hat, bleibt in der Kunstgeschichte immer noch eine Geschichte übrig. Vielleicht ist das nicht überraschend, denn die lächelnde Frau drehte unbestreitbar und provokativ ihren Hintern in Richtung Publikum.

Einige Tiere kommen oft in Klimts Werken vor. Diese Vögel und Tiere sind keine zufälligen Dekorationen, sondern eine Materialisierung der kreativen Gedanken des Künstlers.

5, Wasserschlange II

Wasserschlange II von Gustav Klimt

Wasserschlange II

„Water Snake II“ ist eine horizontale Komposition, und es ist auch eine fast abstrakte dekorative Komposition.

Diese beiden „Wasserschlangen“-Serien zeigen Klimts Tendenz, in seinen späteren Schaffensjahren Verrücktheit, Missbildung und Pornografie zu verfolgen.

Diese wurde maßgeblich von seinem Freund, dem berühmten Psychoanalytiker und Psychiater Freud, beeinflusst.

Die Entstehungszeit dieser Gemäldeserie war während des Ersten Weltkriegs. Aufgrund der Auswirkungen des Krieges und der Wirtschaftskrise in Österreich war auch Klimts Leben ziemlich schwierig.

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Dieses Ölgemälde von Gustav Klimt zeigt wie Wasserschlangen I den weiblichen Körper und die gleichgeschlechtliche Beziehung.

Dieses Gemälde hat eine reiche historische Geschichte. Es wurde im Zweiten Weltkrieg von den Nazis gestohlen. In letzter Zeit ist es wegen seiner Rekordumsätze im Jahr 2013 auch als Streitzentrum bekannt.

Ende 2019 war es das sechstteuerste Gemälde der Welt und das teuerste von Klimts Werken.

6, Danae

Danae von Gustav Klimt

Danae

„Danaë“ ist die Tochter von Akrisius, dem König von Helgos in der griechischen Mythologie.

Dieses Thema wurde von Meistern wie Tizian und gemalt Rembrandt. Die Bilder von Danae, die von verschiedenen Epochen und verschiedenen Malern geschaffen wurden, sind unterschiedlich.

Das Bild, das Klimt geschaffen hat, zusammengerollt in einem quadratischen Rahmen und umgeben von verschiedenen Mustern, ist etwas ganz Besonderes. Mit einem realistischen Ansatz, ausgehend vom ästhetischen Konzept des modernen Menschen, zeigt er einen prallen Körper voller sexy Anziehungskraft. Das nackte Mädchen zeigt eine Art unbewusste Depression und Begierde.

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Dieses Gemälde ist ein typischer Vertreter von Klimts stilisierter Erotik und stellt das Thema von Danae dar, das seit jeher ein beliebtes Thema im gesamten Gemälde ist. Danae ist ein Symbol für göttliche Liebe, Transzendenz und sensationelle Schönheit.

Der Künstler verwendet die erhobenen Beine in diesem Gemälde, um das Modell als Hommage an Tizians gleichnamige Gemäldeserie zu positionieren.

7, Die Umarmung

Die Umarmung von Gustav Klimt

Die Umarmung

Dieses Gemälde entstand 1894. Es ist eines von drei Gemälden, die der berühmte österreichische symbolistische Maler Gustav Klimt in Auftrag gegeben hat, um die Decke der Universitätshalle zu schmücken.

Der Künstler präsentiert das traditionelle allegorische Bild der Symbolik auf eine neue Art, die offener und sexy ist. Diese kühne Neuerung hat auch viele widersprüchliche Kommentare hervorgerufen, so dass dieses Werk nie an der Decke des Großen Saals erschienen ist.

Nach drei Gemälden schuf Gustav Klimt den sogenannten „Beethovenfries“, um den Geburtstag dieses großen Komponisten zu feiern. Der Künstler entwarf eigens für die Ausstellung einen Fries, der direkt auf die Wand gemalt wurde.

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„Die Umarmung“ ist das Thema des letzten Teils des „Beethovenfrieses“ der Himmelsengel, vor dem berühmten „Der Kuss“. Die drei Paare sind sich sehr ähnlich. Der Mann dreht sich mit dem Rücken zum Publikum, schützt den Körper der Geliebten und zeigt uns ihr leidenschaftliches Gesicht. Bei allen drei Varianten ist das Männchen so geneigt, dass sein Kopf auf gleicher Höhe mit dem Weibchen ist.

Alle drei Werke zeichnen sich durch ein Paar relativ goldener Hintergründe aus, die kontrastierende Bilder bilden, Muster oder bunte Farben zeigen, was unsere irdische Liebe für das Gewöhnliche zeigt. Der Künstler kontrastiert in seiner Kreation das Quadrat oder Rechteck mit dem Kreis und der Spirale. Dies soll zweifellos den Unterschied zwischen Männlichkeit und Weiblichkeit verdeutlichen.

8, LadyWith Ventilator

Dame mit Fächer von Gustav Klimt

Dame mit Fan

Als eines der Spätwerke des berühmten Wiener Künstlers ist das Fertigstellungsdatum dieses Gemäldes 1918, das Todesjahr Klimts.

Die Farben und Dekorationen in Lady With Fan schaffen eine entspannte Atmosphäre, ihr Gesicht strahlt, ihre nackten Schultern sind geschwungen und sie ist in einem Kleid wunderschön dekoriert.

Lady With Fan spiegelt den Einfluss des Japanischen auf die moderne Kunst wider, und sein Hintergrund ahmt den japanischen Holzschnitt nach. Es spiegelt auch Klimts einzigartigen Stil wider, dh das Studium weiblicher Bilder.

Forscher glauben, dass Klimt nach der Gründung der Avantgarde-Kunstbewegung Wiener Secession mutig einige Emotionen und Leidenschaft in seine Werke einfließen ließ. Dieser Trend trat in den frühen 1900er Jahren auf.

Der gelbe Hintergrund von Lady With Fan ist ein Erbe von Klimts Gemälden aus dem Goldenen Zeitalter, wie z. B. The Kiss. Die farbenfrohen Vögel, Blumen und Ranken spiegeln die kühne Verwendung von Farben und Dekorationen durch den Künstler wider.

Auch der Rock der Dame und der Fächer in ihrer Hand sind wunderschön gestaltet. Mit den lebhaften dekorativen Elementen in diesem Gemälde überschritt Klimt die Grenzen zwischen bildender Kunst und Kunsthandwerk.

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Dame mit Fächerplakat

Im Trend der immersiven Kunstausstellungen der letzten Jahre wurden Klimts Werke auf der ganzen Welt sehr begrüßt. Das ist auch der größte Respekt für diesen österreichischen Künstler.

Aufgrund seiner Gemälde inspirierte Lady With Fan die Kunsthandwerksbewegung im frühen 20. Jahrhundert. Diese Bewegung umfasste Architektur, Textilien, Innenarchitektur und sogar Schmuckherstellung und brachte dekoratives Kunsthandwerk auf die Weltbühne.

Lady With Fan ist die perfekte Zusammenfassung des lebenslangen kreativen Stils der Künstlerin. Es verbindet Frömmigkeit und Erotik, Kunst und Dekoration und ist eine große Hommage an das künstlerische Erbe eines leidenschaftlichen, abenteuerlustigen und wegweisenden Malers.

9, Braut

Braut von Gustav Klimt

Braut 

1918 erlitt der 55-jährige Klimt einen Schlaganfall. Wenige Wochen später starb er in einem Lungenentzündungskrankenhaus. „Die Braut“ ist eines der unvollendeten Gemälde des Künstlers.

Das Besondere an diesem Porträt ist, dass es eines der expressionistischsten Gemälde von Gustav Klimt ist. Der Künstler arbeitete ohne Grundierung direkt auf der blanken Leinwand.

Die Braut enthüllte ein Geheimnis, das auch in einigen von Klimts Präparationszeichnungen zu finden ist – unter diesen prachtvollen Kleidern dieser Frauen stellte sich Klimt seine weiblichen Figuren nackt und mit vollständigen anatomischen Details und sogar mit Schamhaaren vor.

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Braut Tasche

Obwohl Gustav Klimt auch einige Landschafts- und Architekturbilder geschaffen hat, waren Frauen immer sein wichtiges Thema. Erst in seiner späten Zeit verkörperte er mehr die Darstellung des reinen Feierns und es fehlten einige dunkle und bedrohliche Elemente.

Vielleicht waren es die Schrecken des Krieges, die diesen weltberühmten Künstler dazu veranlassten, seine Schaffensmethoden zu ändern.

10, Bauerngarten mit Sonnenblumen

Bauerngarten mit Sonnenblumen von Gustav Klimt

Bauerngarten mit Sonnenblumen

Dieser Künstler, der gut darin ist, Frauen darzustellen, wenn er Landschaften und andere Stillleben schafft, welche Wirkung wird das haben?

Der Gesamtrhythmus des 1913 angelegten Bauerngartens und der Sonnenblumen ist zweifellos heiter. Klimt verfolgte einen radikalen Ansatz und verwendete diagonale Linien, um Vorder- und Hintergrund zu verbinden.

Im Kontrast zu Van Gogh's berühmtem Gemälde "Sonnenblume" wird der Vordergrund in Klimts Gemälde hervorgehoben und als besonders aussagekräftig angesehen, seine Materialität wird betont und in leuchtenden Farben präzise dargestellt.

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Nummernschild von Gustav Klimt

Die Sonnenblumenblüten sind auf durchdachte Weise in den Hintergrund des gesamten Gemäldes integriert. Obwohl es keine besondere Nahdarstellung gibt, wird ihre Schönheit durch die geniale Symmetrie zarter Farbe vergrößert, sodass eine grüne Wiese abgesetzt wird.

11, Tod und Leben

Tod und Leben von Gustav Klimt

Tod und Leben

„Tod und Leben“ entstand 1908. Es war ein Öl auf Leinwand des österreichischen Malers und wurde erst 1915 vollendet.

Gustav Klimt schuf dieses Werk im Stil des Jugendstils (Moderne), indem er sich der allegorischen Malweise des goldenen Zeitalters bediente.

Neben Frauen sind auch Leben und Tod zentrale Themen in Klimts Schaffen. Ähnlich verhält es sich mit seinen Zeitgenossen, darunter Edward Munch und Egon Schiele.

Aber im Gegensatz zu Schiller führte Klimt die Töne der Hoffnung und der Versöhnung in den modernen Tanz ein, den er als Tod ansah. Seine Menschen scheinen den Tod zu ignorieren, anstatt sich von dem Bild des Todes bedroht zu fühlen.

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Tod und Leben Untersetzer

Die Vorstellungskraft und Kreativität des Künstlers richten sich nicht mehr auf die physische Integration, sondern auf frühere Erwartungen. Vielleicht wurzelt diese neu entdeckte Ruhe in Klimts eigener Wahrnehmung des Alterns und des nahen Todes.

Das Gemälde ist 178 x 198 cm groß und befindet sich heute im Leopold Museum in Wien.

12, Hoffnung II

Hoffnung II von Gustav Klimt

Hoffnung II

Hope II ist ein Gemälde von Gustav Klimt aus den Jahren 1907-08.

Es ist Klimts zweites Werk, das sich auf schwangere Frauen konzentriert, und die Figur auf dem Gemälde ist Herma, eines der Lieblingsmodelle des Künstlers.

Das quadratische Gemälde misst 110.5 x 110.5 Zentimeter. Herma nimmt das mittlere Drittel des Gemäldes ein, mit dunkleren, goldgesprenkelten Hintergründen auf beiden Seiten.

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In Hope II trägt sie ein langes Kleid, das mit geometrischen Formen verziert ist, verziert mit blattgoldähnlichen byzantinischen Kunstwerken, mit reichen Farben und reichen Mustern.

Sie hat lange braune Haare, geschlossene Augen und blickte auf ihre nackten Brüste und ihren geschwollenen Bauch.

Auf dem Gemälde erschien ein unkoordinierter Schädel vor ihrer Kleidung. Zu Füßen des Gemäldes senkten auch die drei Frauen ihre Köpfe, als würden sie beten oder vielleicht trauern.

Hope II wurde 1978 vom Museum of Modern Art in New York City erworben.

13, Malcesine am Gardasee 1913

Malcesine am Gardasee 1913 von Gustav Klimt

Malcesine am Gardasee 1913

Dieses Gemälde entstand 1913. Es entstand, als Gustav Klimt mit seiner Familie Urlaub am Gardasee machte. Es sind auch die wenigen Arbeiten des Künstlers über urbane Landschaften.

Die Größe dieses Gemäldes beträgt 110 x 110 cm. Es ist ein Ölgemälde, das vom Künstler direkt auf der Leinwand geschaffen wurde. Sie gehört zur Landschafts- und Gartenlandschaft des Künstlers und gehört zum Jugendstil.

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Klimt ist einer der beliebtesten Maler unserer Zeit. Seine Werke faszinieren uns bis heute. Die meisten Werke des Künstlers sind Porträts hochrangiger Wiener Damen, insbesondere aus wohlhabenden jüdischen Familien.

14, Der Baum des Lebens

Der Baum des Lebens von Gustav Klimt

The Tree of Life

Wenn Sie ein Wortpaar wählen, das mit „Der Kuss“ vergleichbar ist, muss es „Der Baum des Lebens“ im Werk von Gustav Klimt sein.

Dieses Werk hat viele symbolische Bedeutungen und ist eine Synthese aus Theologie, Philosophie und Mythologie. Es symbolisiert die Verbindung zwischen Himmel und Erde und der Unterwelt.

Für Klimts Bewunderer hat dieses Wandbild eine andere Bedeutung. Es ist das einzige landschaftsbezogene Werk, das der Künstler während seines goldenen Zeitalters geschaffen hat. Obwohl es auch Ölmaltechniken und Goldlack verwendet, ist es auch ein Werk. Eine luxuriöse künstlerische Atmosphäre.

Gustav Klimt hat versucht, die große Lebendigkeit des Lebensbaums auf kühne und neuartige Weise zu interpretieren. Die rotierenden Zweige schaffen eine fabelhafte symbolische Bedeutung, die die Ewigkeit des Lebens andeutet.

Die Äste des Baumes des Lebens strecken sich in den Himmel und wurzeln unter der Erde, wodurch eine Verbindung zwischen Himmel und Erde entsteht. Dieses Konzept wird oft verwendet, um das Konzept des Baums des Lebens in vielen Kulturen, Religionen und Ideologien zu erklären.

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Der vom Künstler dargestellte Baum des Lebens stellt auch eine weitere Verbindung zur Unterwelt her und symbolisiert den ultimativen Determinismus, der jedes Lebewesen regiert, nämlich Geburt, Wachstum und Rückkehr zur Erde.

Obwohl der Künstler die Kreativität des Genies nutzt, um eine magische Welt darzustellen, zieht die Anwesenheit einer Amsel das Publikum in den Mittelpunkt des Gemäldes. Es scheint Amseln zu verwenden, um die Menschen ständig daran zu erinnern, dass alles einen Anfang und ein Ende hat.

Damit ist Der Baum des Lebens eines der bekanntesten Werke in Gustav Klimts Schaffen.

15, Zwei Freundinnen

Zwei Freundinnen von Gustav Klimt

Zwei Freundinnen

Klimts Aneignung orientalischer Dekorationen erreichte um 1917 ihren Höhepunkt, etwa in Gemälden wie „Zwei Freundinnen“.

Die orangefarbene Robe, die rosa Tapete und das rosafarbene Fleisch von „Two Women Friends“ verwenden alle dieselben butterartigen Pinselstriche. Auf diese Weise ist das Thema der gesamten Arbeit sehr real.

Dieses Werk beschreibt, wie „Wasserschlange“ von 1904, das Thema Lesbentum, ist aber zärtlicher, obwohl es mit einigen erotischen Merkmalen vermischt ist.

Wie die meisten späteren Werke Klimts handelt es sich bei diesem Gemälde teilweise um den Raum und die verschiedenen Illusionen, die von der Kunst geschaffen werden, um damit umzugehen.

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Einer ist bekleidet, der andere nackt. Der Phönix auf der linken Seite symbolisiert die Wiedergeburt und die Krähe und der Schwan auf der rechten Seite verkünden unvermeidliches Unglück.

Daher hat die Arbeit von Two Women Friends auch die symbolische Bedeutung des ewigen Dilemmas der Menschheit.

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